Ciudad de México.— Ha pasado un tiempo desde que el director anunció su retiro, y parecía que The Wind Rises (2013) sería su despedida del cine, pero las ganas de seguir creando están ahí desde el comienzo de su carrera en Studio Ghibli Momentum después de triunfar. en televisión A Takahata se le atribuye la animación de Lupin III y la creación de series icónicas con estrellas similares como Heidi, Marco o Anadrast Hasford.
A partir de su primer largometraje, Nausicaä (1984), se encargó de establecer un estilo inconfundible que le ha quedado y que seguiría generando, utilizando un mundo artístico abarrotado y una fantasía inigualable. En ella encontramos la raíz de todo: sus poderes alegóricos, su atención a los problemas medioambientales a través del concepto mítico de las ecofábulas, la creación de criaturas legendarias y la pasión por la ciencia ficción y los aparatos voladores, todo ello representado en rojo.
Los cerdos, también de carácter pacifista, son otro de sus componentes. Con él, la animación está llena de significado y siempre envía mensajes claros y precisos con ritmos mágicos y aventuras épicas. Pero su humanismo pacifista se reflejó en agudas reflexiones críticas sobre la tiranía y la destrucción del planeta, elementos de los cuales aún hoy resuenan. Nausicaä también revela su lista de personajes independientes, valientes y nobles que son capaces de hacer lo imposible para salvar a sus seres queridos, luchando por lo que creen sin dejarse manipular por las convenciones sociales. Se rebela contra el valor institucional que rechaza la unicidad. Perspectivas homogéneas dentro del magma.
Un icono de la cultura popular
Pero no hay duda de que la puerta de entrada de los niños al universo de Miyazaki sigue siendo Mi vecino Totoro, donde el director presenta por primera vez notas de su propia infancia sobre el miedo a la muerte y lo que es ser huérfano. En este caso, a través de los ojos de una niña, Mei, y su hermana, que se mudan al campo con su padre mientras su madre está enferma en el hospital. Lejos de la ciudad, se sumergirán en este nuevo entorno rural que les servirá de puerta de entrada a un mundo mágico de criaturas imaginarias que conviven en armonía con los humanos y que les ayudará a canalizar su dolor y permitirá que la imaginación y la realidad se fusionen y se mezclen.
A partir de ese momento, Studio Ghibli encontró su identidad corporativa en el personaje My Neighbor Totoro, y se convirtió instantáneamente en un ícono de la cultura pop. Pero además de crear imágenes icónicas, Miyazaki demuestra ser un pintor extremo de miniaturas a la hora de configurar cada línea, por lo que podemos apreciar la pasión por los pequeños detalles en sus películas, en este caso las obras más finas pero posteriores de Totoro serían barrocas. resonancia de la viga.
Su próximo gran proyecto, Porco Rosso (1992), una continuación de Niki, The Witch’s Apprentice, fue encargado originalmente por Japan Airlines, pero el director finalmente se lo llevó a casa y lo convirtió en otro de sus trabajos más icónicos, a través del cual podría expresar su pasión por los años veinte del equipamiento aeronáutico y su amor por el cine de aventuras en estado puro. Convertido en héroe de la Primera Guerra Mundial, Marco Porcellino es víctima de una extraña maldición que lo convierte en un cerdo, y desde entonces se convierte en un cazarrecompensas. Será uno de los pocos personajes masculinos de su filmografía con identidad propia, en la que el director se encarga de infundir su espíritu romántico e inconformista.
Éxito internacional
En 1997, John Lasseter fundó Toy Story, y la revolución digital ya estaba en sus manos, responsable de cambios de paradigma fundamentales en la disciplina, pero Miyazaki siguió trabajando a gran escala. El territorio exploró el camino del clásico blockbuster de animación (presupuesto de $20 millones) “La princesa Mononoke”, gracias al cual ingresó con éxito al mercado norteamericano por primera vez. Podría decirse que es su película más visceral, valiente y sangrienta, pero también un punto de inflexión en la historia de la animación como forma de arte noble, arte elevado, después de que la historia lo despreciara.
Fue tan brillante, tanto artística como técnicamente, que los maestros japoneses tardaron 20 años en desarrollarlo. Su carácter apocalíptico, asociado a Nausicaä en el Valle del Viento, en cierto modo la redondea y le confiere una mayor espesura de oscuridad, así como una enorme complejidad moral. Es más misterioso y rimbombante, pero definitivamente monumental y épico en todos los sentidos.
Su próximo paso es, sin duda, crucial. Spirited Away (2001) se convirtió en la primera película animada en ganar la categoría A en la Berlinale, compitiendo contra cualquier película de acción real en igualdad de condiciones. Quizás por eso el premio está asociado con la película políticamente crítica Bloody Sunday de Paul Greengrass. Miyazaki quería crear su propia versión especial de Alicia en el país de las maravillas, incorporando todas las tradiciones del folclore japonés para crear un universo lleno de su propia mitología.
En lugar de caer por la madriguera del conejo, Chihiro sigue un túnel que la lleva a un espacio suspendido donde los contornos del mundo real desaparecen y son reemplazados por un mundo lleno de dioses y criaturas antiguas, un universo ficticio de brujas y un dragón. Un lugar donde las personas se convierten en cerdos (otra vez) y tienen que luchar para no perder su identidad.
La película busca simbolizar la transición de la niñez a la madurez a través de un viaje de iluminación que pone a prueba el trabajo duro, la perseverancia y los valores y pone a prueba la integridad moral en el mundo codicioso de hoy que ha perdido toda apariencia de espiritualidad. Pero aparte de las explicaciones conceptuales, Heartfelt es una maravilla visual por derecho propio, gracias a su impresionante caligrafía, su capacidad para transformar constantemente su narrativa, su imaginación sin límites, su poesía, su emoción y corazón, y sus imágenes. La partitura más hermosa jamás compuesta por el maestro Joe Hisaishi, fiel colaborador a lo largo de su carrera.
El regreso a la esencia
Después de este pico, pasó a crear otra obra ambiciosa, como Howl’s Moving Castle (este año, la compañía de lujo Loewe lanzó una colección cápsula inspirada en él, y los personajes en él, como el dragón antes que los gatos, confirmaron su huella en el imaginario colectivo), antes de volver a sus raíces con la bella Ponyo on the Cliffs (2008). Miyazaki ha hecho prácticamente de todo, ha logrado hazañas cinematográficas que nunca hubiéramos imaginado y, justo cuando pensábamos que no teníamos nada más que ver, un giro nos devuelve a lo que creíamos que habíamos perdido.
Hasta la fecha, su última película The Wind Rises (que también celebra su décimo aniversario) es considerada su obra más autobiográfica. Se estrenó en la sección oficial del Festival de Cine de Venecia porque las barreras de Miyazaki se han desdibujado durante tanto tiempo. En ella quiso rendir homenaje a Jiro Horikoshi, un ingeniero que fue uno de los genios aeronáuticos de Japón, pero en realidad esta película histórica sigue siendo una especie de autobiografía alegórica y misteriosa. Sin embargo, esta vez abandona el terreno del héroe fantástico y apuesta por una narrativa realista que incluye crónicas sociales, retratos de vida e historias románticas.
Muchos la consideran una película clásica que emula a los maestros del melodrama japonés como Naruse Mikio, así como a Mizoguchi y Ozu. Ahora, Miyazaki está de regreso con su último trabajo definitivo, que está siendo traducido al español y titulado “¿Cómo estás?”, Basado en la novela del mismo nombre de Genzaburo Yoshino sobre la vida de un estudiante de secundaria.
La historia acaba de perder a su amado, su padre. Antes de su muerte, su padre le dio un último deseo: ser una buena persona. Así, el niño se introducirá en el camino del desarrollo a través de valores como la amistad y la conciencia social, que le enseñarán a distinguir lo que significa. Al parecer, el maestro quiso despedirse con una obra dedicada a su nieto, para recordarlo de por vida, sería su último regalo.
Volver a visitar el trabajo de Miyazaki como adulto (o descubrirlo como un niño) es una revelación tanto emocional y sensorial como estética. Miyazaki comprende fundamentalmente las muchas tensiones que enfrenta el hombre moderno entre el avance de la tecnología y la preservación de la naturaleza y las tradiciones de las que dependemos para preservar nuestro patrimonio cultural. Nos enseña a mirar más allá de las realidades opresivas que vivimos, respirar hondo e imaginar otros horizontes que nos permitan ser más libres y auténticos.
